Léeme 15

Para la hoja de información de opinión, cultura pop y entretenimiento.
Hermosillo, Sonora, México.
Número 15 - Mayo 2003
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¡Yey! Estamos de regreso una vez más, después de un mes entero de hacer/no hacer muchas cosas. Estamos a pocos meses del primer aniversario de nuestra publicación y esperamos cambiar las cosas muy pronto. Los nervios están a la orden del día, porque sólo tenemos 4 colaboradores que hablan en español y muchos colaboradores que no saben que sus artículos fueron doblados a otro idioma, ni que fueron publicados para una revista tan underground que nadie la lee.

It's fun, nevertheless, hacer todo este trabajo gratuito para la autocomplacencia de dos editores desempleados y alguno que otro curioso que se atreve a revisar la kilométrica extensión de los textos.

En serio. Mierda, me siento totalmente perdida.
Si pido ayuda es sólo porque
el estar contigo abrió mis ojos.
¿Alguna ves creí en tan perfecta sorpresa?
–T.A.T.U.

En el número de mayo de la revista Spin apareció un recuento de “Los 20 momentos más sórdidos del rock”, y enlista en el número 16 al grupo T.A.T.U.:

En un restaurante en el centro de Manhattan, un hombre viejo, representante en América de las integrantes de T.A.T.U., Lena Katina y Julia Volkova, se encuentra planeando un festín de compras en el SOHO. “Necesitamos ropa muy actual pero informal,” dice. “Ahora en Moscú todo es de Miss Sixty; necesitamos algo más Melrose.” Pero el verdadero cerebro detrás del éxito del dúo ruso –y de su imagen sexual y lesbiánica– es el manager de origen moscovita, Ivan Shapovalov, anteriormente un psicólogo de niños y ejecutivo de publicidad que audicionó a 500 niñas mientras desarrollaba su proyecto secreto. De acuerdo a Katina, de 18 años, “[Ivan] es un psiquiatra muy bueno. El pensó que a lo mejor nosotras tenemos más que una amistad, así que dijo ‘Okey, hagámoslo.’”

Y las chicas adolescentes respondieron. Dice Sara Marcus, de 14 años, de New Haven, Connecticut. “Hasta se ha vuelto algo popular que las niñas bailen con otras niñas en los bailes escolares.” Mientras Katina y Wolkova intercambian animosas su saliva en el video listo para censurar, de All the things she said, su pasión parece disminuir cuando no están bajo los reflectores. Shapovalov ha admitido que el enfoque de los adolescentes del mismo sexo son “relaciones públicas baratas” y no significa que las chicas sean lesbianas. “Espero por Dios que no sea verdad,” dice Marcus. “Esa sería una broma muy cruel.”

Mi lado cochinón y raboverde me impulsa a chiflar, chocar las manos y empinarme el tarro de cerveza, cuando veo a estas hermosas púberes que se besan sin razón, todo el día, en la tele.

El legendario machismo latinoamericano nos aconseja que entre un cuerpo arrugado y añejo, y un cuerpo terso y perfumado, siempre es mejor irse por el joven, terso y perfumado. Pero como somos hombres sucios, despreciables, sabemos qué le puede ganar a un cuerpo joven, terso y perfumado:

En eso consiste el triunfo de T.A.T.U.: dos malas vocalistas, sin propuesta musical, con el cóver de The Smiths (How son is now?) más repugnante de la historia, y una hipersexualidad in your face que te hace salivar como perro. Somos el objetivo mercadológico del video, pero no le cambiamos al canal; como conocer a una mujer hermosa con cerebro de pollo. Asientes con ánimo. Sonríes. Celebras el comentario mongólico con otro. Tu cerebro se prepara a tomar las armas y piensa sancionar al pene con malas erecciones por ponerlo en situaciones incómodas. Como en ese capítulo de Seinfeld cuando sus órganos se enfrentan en un juego de ajedrez, para decidir si se queda o no con una modelo:

Mi lado sensible y femenino, me invita a platicar con un café y llorar con Sleepless in Seattle.

La preferencia masculina por la juventud femenina no es nueva; en menos de dos años Katina y Wolkova serán ridiculizadas en los conteos musicales, su Behind The Music será memorable y alguien esconderá y/o destruirá el disco que alguna vez fue sujeto de envidias.

Con algunas mujeres, el dañó ya está hecho; ser lesbo es fashionable y tremendamente redituable con los hombres. T.A.T.U. no es Ellen DeGeneres ni Rosie O’Donell, así que no es tan asqueroso besar a tu mejor amiga para probarle al mundo frívolo y prejuicioso que “sólo soy humano y necesito ser amado.”3

Es hermoso ver a dos mujeres besándose. Pero la magia se desvanece si lo hacen por las razones erróneas. Si ser heterosexual es en sí un pain in the ass, el jugar a ser gay enreda las cosas para los que sí lo son. Para disfrutar de un cuerpo no es necesario impresionar a terceros, sino despojar al sistema moral de prejuicios limitantes. Hasta ese día, los empresarios explotarán todo el recetario de fantasías y tabúes a su alcance. Cuatro lesbianas asiáticas acróbatas suenan muy bien, pero seis hermanas brasileñas promiscuas suena muchísimo mejor.

Es un mundo de hombres y nos gusta. Ahora le toca el turno a las mujeres, a ver de qué están hechas.

1 Mierda. Su fuerza es cercana al equivalente en inglés.

2 Shalava: Perra (adj.). Puede usarse como bl’ad’

3 The Smiths – How soon is now, del disco Meat is murder

LONDRES (Reuters) - Uno de cada tres dueños de perros pasa más tiempo con su mascota que con su pareja, y cuando se trata de dormir, para algunos son los compañeros de cama preferidos, mostró un sondeo.

Más del 40 por ciento de los dueños de perros permiten a sus amigos de cuatro patas compartir su cama, reveló la consulta a 500 poseedores de estas mascotas en nombre de la aseguradora británica Churchill.

Incluso un 11 por ciento de los encuestados sintió que sus perritos habían asumido un papel más importante en su vida que sus consortes.

Dos de tres dijo que sus perros eran sus mejores amigos y uno de cada 10 afirmó que estos animales eran más importante para ellos que sus propias familias.

A medida que uno crece la complejidad de las relaciones personales hace que la convivencia se transforme en un rompecabezas de dos millones de piezas, sin el dibujo impreso.

Trabajo, noviazgos, matrimonios, hijos, escuela, affairs, amigos, familiares... this modern life hace que el día se convierta en un incesante tomar café, ganar dinero, lidiar con el tráfico y superarse día a día. La rutina diaria aumenta los trámites burocráticos de lo que alguna vez fue una vida sencilla. El mundo gira más rápido y no perdona al que se queda atrás.

A mayores objetivos, mayores exigencias. 4 Non Blondes predicó un dicho popular en el título de su álbum debut de 1992: Bigger, faster, better, more. Ahora Linda Perry produce los discos de Christina Aguilera y de Pink en lo que debería de llamarse 2 Blondes 1 None Blonde.

En pos de mantener el (caótico) control de nuestras vidas, las amistades y los seres queridos entran en un laberinto de mutua exigencia y altas expectativas. La amistad se convirtió en un trabajo que demanda sacrificio.

Pero hasta el vínculo más íntimo llega a su final, gracias al ego, desde que el “YO”, es más importante que un “ÉL”.

Por eso no debería extrañarnos que un animal -como un perro- reemplace el lugar de un amigo, hasta rebasar el afecto que sentimos por un familiar. Es la simplificación del cariño, de la comprensión, y de la compañía, a través de una especie distinta. Un amigo nunca dejará que le rasques el estómago, ni dormirá bajo tus sábanas para darte calor. No puedes disfrutar su pelo frente a la tele, ni que lama tu mano en respuesta.

El contacto con los animales reduce la presión sanguínea, las concentraciones de colesterol, el riesgo de cardiopatías y el stress en los adultos; la disminución de reacciones alérgicas comunes (moho y hierba) en los niños; favorece la interacción social y el desarrollo de nuestras habilidades físicas y emocionales.

Todos tenemos amigos que nos suben la presión de la sangre, amigos que estresan y amigos antisociales.

Si estos son signos de un fracaso social, por lo menos todavía preservamos la capacidad de amar y ser amados. Eso, en tiempos de guerra, merece un hueso.

Sit back in yer throne, turn off yer phone
Cos this is our zone
Videos, televisions, 64's Playstations (…)
Few herbs and a bit of Benson (…)
And this is the day in the life of a Geezer (…)
We're on a mission, support the cause.

    Canta.
    No canta; más bien habla, y nos habla a nosotros, los geezers, los huérfanos de etiquetas generacionales e ideales hogareños.
    Nosotros, tan lejos de Dios y tan cerca del bong.
    Nosotros, para quienes la belleza se encuentra en un sol que todavía no sale.
    Nosotros, los que fingimos buscar respuestas en el fondo de una botella, aunque no busquemos nada.
    Ahora es nuestro turno de ser escuchados: you’re listening to The Streets.

Para muchos, el Eminem británico, para otros sólo una curiosa anécdota musical; lo cierto es que Original Pirate Material, álbum debut del proyecto que hoy se conoce como The Streets, es una lista de 14 tracks en donde se mezclan garage beats, con el estilo y las rimas del rap clásico. Influenciado por bandas como Beastie Boys, Run-DMC y De la Soul, Mike Skinner, el hombre detrás del nombre (igual que Norman Cook y Fatboy Slim), no sólo se ha encargado de traer a nuestros oídos un sonido fresco y ecléctico, sino que también se ha dado a la tarea de reflejar, a través de sus letras, la realidad de una generación que ha preferido refugiarse en pasatiempos aparentemente frívolos, con el fin de disfrazar de apatía la conciencia de pertenecer a un mundo y una sociedad que día con día resultan más ajenos.

Yo no les otorgaría la definición de poeta a aquellos que hacen un uso preciosista, barroco o elevado del lenguaje, sino a quienes son capaces de llevar a nuestras mentes, por medio de pequeñas pistas, universos de significación, de sentimientos no hablados y realidades compartidas. El mensaje de Skinner, your local city poet, resuena en nuestras cabezas como un deja vú constante. ¿Quién no reconoce entre sus amigos, o en sí mismos al stoner que juega Playstation todo el tiempo? ¿O al borracho que no encuentra un día de descanso para su cerebro? ¿O al alcohólico que creé que, por el hecho de no usar drogas ilegales, es de lo más sano?

Para The Streets, lo ordinario se torna sublime, el vicio se vuelve virtud, y la llegada de un nuevo día se resume en un morning after. Original Pirate Material es un manifiesto generacional que, entre frases de extraordinaria belleza lírica nos invita a despojarnos de prejuicios (have no prejudice, that’s my hypothesis) para entender que, a final de cuentas, todos estamos montados en un mismo barco (coz me and you are the same, I known you all my life I don’t know your name) y lo que menos nos merecemos unos a otros, es un poco de respeto. Si no te gusta, pues lock the door on your way out.

El principio de los noventas siempre serán una época romántica para aquellos que la vivimos. El último reinado del rock, MTV, experimentaba un renacimiento al promover día y noche lo que llamaban "música alternativa". El anti- rockstar, mal bañado y con ropa de segunda mano, se convirtió en la norma. La nueva generación tenía su manera de mostrar descontento contra la hipocresía de la sociedad; la falta de atención de sus padres; la cultura de las marcas comerciales; el jabón, los trajes, la ropa limpia en general; las guitarras sin distorsión y la higiene personal. No era una historia muy original, pues ha ocurrido varias veces en el transcurso de la historia; pero esta vez era televisada y eso marcaba la diferencia.

En realidad no duró mucho: dos discos para cada banda y se acabó. Nunca he creído eso de culpar a la muerte de Cobain por la desintegración del movimiento; las cosas no estaban saliendo bien desde hacía rato. Muchísimas bandas que sonaban igual saturaron el mercado y eso hacía que todos perdieran credibilidad. MTV no tuvo compasión: cuando dejaron de vender cambiaron la programación y nunca voltearon atrás.

Años, muchos años, les tomó a estos músicos acostumbrarse a la idea de que sus melodías ya no eran vigentes. Tomar un respiro, analizar la situación y reagruparse. Es la hora de pagar por nuestro pecados: los noventa vuelven para vengarse, ¿y quién los puede culpar con el terrible estado en el que tienen las bandas modernas al rock? Unirse para vencer al enemigo. Mezclar para renovar. Llegaron las superbandas.

De todas las superestrellas de los noventa, el más llorón siempre fue Billy Corgan, lo cual no es poco decir, ya que era una época llena de quejas e inconformidades. Cuando al fin deshizo a los Smashing Pumpkins, la razón que dio fue que no podían existir en una época en la que las disqueras apoyaban a tantas bandas pop.

Igual, no se tardó mucho en formar una nueva banda. Los rumores corrían y parecían bastante confiables. Uno de sus compañeros era Matt Sweeney, guitarrista de Chavez y una figura importante en el mundo del Indie Rock; colaboró con grupos como Guided by Voices y con la súper nena de Cat Power, Chan Marshall. El multiinstrumentista David Pajo, que ha tocado con Tortoise y Stereolab y el ex baterista de los Pumpkins (despedido en 1996) Jimmy Chamberlin completaban la alineación. Meses después se les une Paz Lenchantin, bajista de A Perfect Circle, y una nueva superbanda se formó.

¿Y cuál es el veredicto? Te gusten o no, hay algo que es obvio: el dueño de esta banda es Billy Corgan. El aporte de los otros bien podría ser hecho por músicos de estudio, y ellos lo saben; es lo mismo que le pasaba a D´Arcy (bajista) y al chinito (James Iha, guitarras), cuando Smashing Pumpkins existía. Así que a las cuatro personas que les interese ver el lado colorido y feliz de Mister Corgan, aquí tienen su album; los que esperaban algo diferente, ni se molesten.

Los rumores acerca de esta banda han corrido tan rápido que es casi obvio que sus publicistas están detrás de todo. Los tipos se metieron en un estudio y a los días tenían disponibles demos de canciones en Audiogalaxy; el nombre tentativo de la banda era Citizen y la calidad de las grabaciones baja. Igual tenían a mucha gente emocionada, esperando nuevas noticias. Cuando llegaron no eran muy buenas: Chris Cornell se había retirado del proyecto y el disco no iba a salir. Cuenta la leyenda que la banda tenía algunas demandas en su contra; debían abandonar toda actitud política y eso incluía el nombre. Los rabiosos cedieron y a los meses salió la primera producción de Audioslave, de la que todos ya escucharon más de un single.

¿Veredicto? Aunque Cornell los tiene bajo su pies (en las entrevistas los ex Rage Against the Machine no hacen más que lanzarle elogios, y decir que es un honor tocar con él), aquí sí se nota un trabajo en equipo: se escucha la aportación de ambas bandas, un guitarrista que inventó un estilo adaptándose sin problemas al nuevo sonido, una base rítmica perfecta y una voz inconfundible. Además tiene sus ventajas que Cornell sea el que mande; ya no tenemos que calarnos los discursitos pseudo documentados de Tom Morello, y al otro idiota (el baterista) trepándose en escenarios. Cornell es tan implacable que obligó a Morello a cambiar el slogan de su guitarra; menos mal, ya que era una de las estupideces más grandes que ha dicho algún ser humano; su infame "Arm the Homeless" (Armen a los que no tienen casas) es ahora un moderado "Soul Power" (Poder del alma). Por otro lado, el liderazgo de Cornell significa tener que soportar un nombre tan vacío como Audioslave y unas letras que no significan nada; la poesía nunca ha sido su fuerte.

De los 4 grupos a los que hago referencia en este artículo, el único que se autocalifica como una "superbanda" es The Virgins. James Iha, guitarrista de los Smashing Pumpkins; Melissa Auf der Maur, la super foxy bajista pelirroja de Hole; Evan Dando, ex vocalista de Lemonheads; y Ryan Adams, uno de esos personajes cuyo nombre siempre aparece por ahí, colaborando en álbumes de otros, con su banda Whiskeytown, o citado en algún artículo sobre el movimiento country alternativo.

No hay veredicto porque el álbum no ha salido; lo están grabando en los estudios de James Iha, Stratosphere, en Nueva York, y saldrá bajo el sello Lost Highway Records. Aunque en mi opinión se parecen al cast de This Surreal Life, Celebrity Mole, o cualquier otro de esos programas con ex estrellas y celebridades de clase B, pero no hay porque subestimar a este ensamble hasta escuchar los resultados. Además, una banda con sex appeal siempre ayuda.

Sé que en algún momento prometí escribir un artículo completo acerca de esta banda, pero ya se han hecho tan populares que no hace falta. Quizá lo que sí hace falta es aclarar porqué está incluida en este artículo; a lo mejor no saben que esta no es una superbanda noventosa, porque sus integrantes principales nunca fueron tan famosos en aquella época.

Descendientes directos de la legendaria banda Kyuss, Josh Homme y Nick Oliveri han tocado juntos por mucho tiempo. Kyuss coexistió con exitosas bandas metaleras como Soundgarden y Alice in Chains, pero debido a que no eran de Seattle, nunca recibieron el reconocimiento merecido. Se separaron en 1995. Homme tocó por dos años con los Screaming Trees y produjo varios álbumes de jamming (músicos y amigos de la banda que se juntan a tocar en el desierto) titulados Desert Sessions. En el ‘97 formó Queens of the Stone Age, sacó un EP, y el año siguiente se le unió su ex compañero Nick Oliveri. El núcleo de la banda quedó formado.

Los demás integrantes del grupo han ido rotando. Para su encarnación de 2002, en la grabación de Songs for the Deaf, su formación los convirtió en una superbanda. Todos ya deben saber que el baterista en todas las canciones, excepto una, fue Dave Grohl; el line up era completado por Mark Lanegan, de Screaming Trees, y Dean Ween... pues de Ween.

¿Veredicto? Todos lo saben: Songs for the Deaf es uno de los mejores álbumes de rock de los últimos tiempos, y aunque ha tenido mucho éxito, falta un poco de tiempo para que se convierta en un álbum de culto. Por suerte esto no es lo último que hemos oído de las reinas, más bien es lo primero.

Cuando OK Computer, el tercer album de Radiohead, arrasó con toda la competencia en las votaciones de final de año, en 1997, lo hizo por una buena razón: No solo fue un disco altamente complejo y bello, sino que junto a las ediciones de Spiritualized (Ladies And Gentlemen, We Are Floating In Space) y Primal Scream (Vanishing Point) también parecía señalar hacia un nuevo espíritu de aventura y experimentación, después del primitivismo del Britpop.

Desde luego, ya se ha debatido extensivamente que esto fue tanto una bendición como una maldición para Radiohead. Por un lado, los impulsó hasta convertirlos en una de las bandas más grandes en el mundo; por el otro, llegó a confundir su proceso creativo a tal magnitud que cuando Kid A apareció finalmente, tres años después, parecieron perder de vista lo que los hizo una banda tan excepcional desde el principio. Ser un grupo de rock simplemente no era suficiente; debían probar también sus cualidades experimentales.

Desafortunadamente, Radiohead confirmó tanto en el curso de Kid A, como durante el sucesor Amnesiac, que son una mejor banda de rock más que una experimental. Si uno escucha esos dos discos ahora, inmediatamente nos ilustra los momentos donde la banda tiene un sonido convencional; canciones como Knives Out, The National Anthem y Pyramid Song. Las piezas electrónicas eran al final tomas diluidas del trabajo de artistas como Autechre y Aphex Twin, que sirvieron como simples aperitivos.

Antes de su salida, la especulación sugería que Hail To The Thief marcaría el regreso de dinámicas más convencionales como las de The Bends y OK Computer. Eso siempre sonó a hacer castillos en el aire, y así lo demuestra Hail...; la directa continuación del camino que siguieron después de OK Computer, y que dejó a la banda en un callejón sin salida creativo. En el intento por complacer tanto sus impulsos experimentales y como los tradicionales, se quedaron atrapados entre las dos, en una tierra de nadie.

No estamos diciendo que no haya música excepcional en este disco, es sólo que de nuevo el impacto de los mejores momentos es opacado por la inclusión de algunas composiciones electrónicas mediocres. Con 14 temas, que alcanzan casi la hora de duración, es obvio que hay cierto descuido que bien les permite excusarse. En especial Backdrifts, con las ondas oscilatorias en los teclados, y The Gloaming, con sus ritmos cubiertos de estática, hubieran sido abandonados sin perjudicar a nadie.

Aún más frustrante es que Radiohead presume en varias ocasiones el motivo por el cual ha sido galardonado con tanta admiración por los críticos, a través de los años. Mucho se ha dicho respecto a la naturaleza política del título del álbum (una referencia a la victoria electoral “robada” de George Bush en 2000), pero a parte de su aire siniestro y de algunas referencias oblicuas (el intento por soportar las consecuencias trágicas del 9/11 en The Gloaming, y la insatisfacción de cortar-y-pegar de A Wolf At The Door), aquí no prevalece un verdadero mensaje contra el autoritarismo.

En cambio, los mejores momentos ocurren cuando Thom Yorke abre un lado más personal y claramente emocional en sus letras. Las dos canciones que sugieren los temores por el futuro de su hijo (la concisa y ligera I Will, y el cierre en avalancha de A Wolf At The Door) son conmovedoras, así como el tema más sobresaliente del álbum, la balada en piano Sail To The Moon.

En otras partes, emergen varios momentos importantes cuando el íntimo proceso compositivo de los temas se fusiona con la sorprendente y consistente guitarra de Jonny Greenwood. En el comienzo de 2+2=5, por ejemplo, las intrincadas cuerdas que destellan un súbito flujo de excitantes acordes pisoteados, son sorpresivos, al mostrar una sinceridad que ha eludido Radiohead durante casi media década. Por igual, Scatterbrain, es cálida y directa, en la misma forma que Knives Out y Street Spirit a la primera oída, mientras que Myxomatosis, con su muralla de bajos dispersos ofrece algo nuevo e inventivo.

Es una pena entonces que este material tenga que codearse con otros momentos más indiferentes. Junto con los temas que ya mencionamos, Sit down. Stand Up, con su débil patrón de percusiones programadas, y la poco abrumadora There There (extrañamente, el primer sencillo del álbum) son ordinarias a lo mucho, y sirven para romper con la energía del disco entero.

Es irónico que Hail To The Thief emerja en un momento en el que la moda se inclina hacia una experiencia musical más primitiva. Tanto The Strokes como The White Stripes han enseñado que la sincera crudeza emocional puede ser exitosa en lo comercial y con la crítica. De nuevo, Radiohead se topó con un anacronismo, pero esta ocasión no de una forma positiva. Se sienten hastiados y ensimismados, a pesar de estos grupos más jóvenes, y ahora enfrentan al reto de grupos como U2 y R.E.M.: cómo mantener la relevancia cuando te rodea tanta maquinaria y expectativas.

Entonces, Hail To The Thief es más un buen disco que un disco genial. Suena exactamente a lo que uno esperaría después de Kid A y Amnesiac, y ese es el problema. Radiohead es una banda que todavía está haciendo las paces con el rompecabezas de qué hacer cuando has grabado uno álbum aclamado universalmente como uno de los mejores de todos los tiempos. Saben que es un truco difícil de producir dos veces.

Las cosas se mueven rápido en el mundo de los Yeah Yeah Yeahs. Cuando llegaron por primera vez a Gran Bretaña, hace un año, parecía probable que hicieran un disco debut enfocado al sencillo arte de fornicar. En cambio, Fever To Tell, es más complicado: busca explicar el amor, el sexo, y las impresionantes, frágiles, y algunas veces perturbadoras conexiones entre los dos. En 37 minutos.

Difícilmente el amor y el sexo son terrenos radicales para el rock’n’roll. Pero es el candor y la energía que le imprime Karen O lo que lo hace tan convincente. Cuando se excita pierde el control del lenguaje y recurre a ciertos ladridos eufóricos. Cuando quiere explicar el poder de sus emociones, los clichés no impiden la honestidad. Las últimas líneas de Fever To Tell dicen And cool kids, they belong together.

Aquí, cosa rara, tenemos un grupo de art-rock con una sorprendente carencia de poses. El lazo de Karen O. con la verdad es sobresaliente y conmovedor. No siempre es digna de confianza; en Cold Night canta, Yeah we could do it to each other! Well like a sister and a brother; tiene una trama quasi-incestuosa como para hacer sonrojar a los White Stripes.

Pero en la mayoría de las cosas, es su franqueza la que domina todo. Baby, I’m afraid of a lot of things! But I ain’t afraid of loving you, murmura, como si estuviera bajo un edredón, en el tema escondido Porcelain. They don’t love you like I love you, asegura repetidamente en Maps, un himno para sacar al romántico aún entre los más tímidos. La presencia de Angus Andrew, amado de Karen y vocalista de The Liars, se oculta detrás de todo en Fever To Tell. Es raro que tanta lujuria y afecto hayan sido tan explícitamente dirigidas al esquema de una flaquita, punkosa y artística chica.

Desde luego, todos estos grandiosos gestos de deseo servirían como curiosidad si Fever To Tell fuera un álbum malo. Los temores sobre cómo las canciones de los Yeah Yeah Yeahs sobrevivirían la transición desde un impetuoso y rapaz show en vivo al CD, prueban no tener fundamento. Pero la decisión de excluir las canciones de su primer EP siempre ha sido, en el mejor de los casos, inconsiderada, y en el peor de ellos, algo lunático.

Fever To Tell hubiera sido una fracción mejor de adicionar Bang y Our Time. La buena noticia es que, si hablamos de discos debut, este es magnífico. La mitad del Fever... transcurre en un momento cautivador antes de que uno pueda comprenderlo. Desde el acorde introductorio de alta frecuencia de Rich, hasta la hinchazón peluda de Cold Light, Nick Zinner y Brian Chase siguen el humor de Karen O con mucha empatía extraña. Es un álbum tan austero y desordenado, con mucho espacio para esas guitarras de pinball y los segmentos de ritmos bizarros. Mientras transcurre el formidable inicio, Fever To Tell se vuelve más introspectivo y nervioso. Karen forcejea con la dicha y los peligros del amor bueno, y la banda responde con una sensibilidad inusual. Modern Romance y Maps están lejos de ser baladas comunes; todavía tienen mucho ruido y bordes filosos. Sin embargo, son la confirmación de una profundidad musical que se equipara al rango emocional expansivo de Karen.

Entonces, no es precisamente el trabajo de jodo-y-corro que prometieron al principio. Fever To Tell revela una mezcla de emociones baratas y una planeación grandiosa: construir algo substancial y especial que dure más que una nueva ola hormonal que ha pasado de moda nuevamente. Esperemos que resulte en algo bello para todos nosotros.

Había cierta cualidad surreal el verano de 2001, cuando los White Stripes saltaron de ser artistas de culto en NME, hasta ser proclamados “el futuro del rock’n’roll” por las publicaciones The Sun y Daily Mirror. A pesar de que había cierto gozo al pensar en hordas de lectores del Tabloide Más Brillante de Gran Bretaña, que se amontonarían para enfrentarse a tres álbumes de música blues obscura, estridente, las altas expectativas tienen su lado preocupante: Quizás las críticas indulgentes opacarían el filo de Jack y de Meg, robándoles material nuevo de ese crudo filo, tan importante para su música. Es posible que la banda haya encontrado que White Blood Cells es un disco imposible de continuar, lo que significa la inevitable desilusión al salir Elephant.

Resulta que ambos cálculos estaban mal. Elephant, aunque es el disco más comercial y crudo de los Stripes, es también el mejor de su carrera. La ostentada idea de grabar todas las canciones con equipo antiguo funciona perfectamente; ningún artefacto data más allá de 1963, y los efectos corresponden a transportarse al pasado. La sorda introducción en el bajo, en la apertura de Seven Nation Army casi suena como una declaración de objetivos (I’m gonna fight ‘em off/a seven nation army couldn’t hold me back) y hace que el álbum tenga un comienzo perfecto.

A pesar de que temas como éste y en especial I Want To Be The Boy (en piano), nos enseña el lado más comercial de los Stripes, aún hay cosas bastante intensas aquí. There’s No Home For You Here es el primo multi-instrumental de Dead Leaves And the Dirty Ground, de White Blood Cells, mientras varias versiones de la voz de Jack se enfrentan a un solo de guitarra estridente, pero el efecto no está cerca de lo incendiario. A pesar de ello, es descolorido en comparación con la extraordinaria versión del tema I Just Don’t Know What To Do With Myself. Las vocales de Jack sacan a relucir el dolor y la decepción de la letra, de tal manera que no se pueda ver a Dusty Springfield igual.

Hay momentos tranquilos también, como In The Dark Dark Night, cantada por Meg; y la bastante torcida You’ve Got her In Your Pocket, pero en general este es un álbum para tocarse a todo volumen. En ninguna parte esto es tan cierto como en Ball And Biscuit: la guitarra es tan sorprendente aquí, que parece como si Jimi Hendrix estuviera improvisando con Led Zeppelín, más allá de la tumba. Dudo que puedan escuchar ocho minutos excitantes de música lo que resta del año.

Después de esto, los últimos temas se vuelven un poco anticlimáticos, pero la situación es enmendada por el encantador tema final, It’s True That We Love One Another, un dueto de estilo infantil con la vocalista de Three Headcoats, Holly Golightly. Es el final perfecto del disco, que suena como si lo hubieran grabado alrededor de una fogata en un campamento, ya que concluye con aplausos y gritos de jolly good... cup of tea... let’s celebrate.

Ojalá que este sea el disco que haga a la gente olvidar todo el barullo alrededor de Jack y Meg, y que se concentre en la música. Música que jamás ha sonado también como aquí. Ha pasado bastante tiempo, pero Elephant ciertamente valió la pena.

Un promotor de la reforma de las leyes anti-drogas dice que D.A.R.E. es un error con 20 años de edad.

A pesar de que toda una generación de americanos han sido criados por el lema anti-drogas de Nancy Reagan “Sólo Di No,” todo parece indicar que dirán “sí”. No es que el programa de Educación y Resistencia al Abuso de las Drogas no haya intentado hacer su tarea en la guerra contra las drogas del gobierno. D.A.R.E., que cumple 20 años este mes, presume muchas de sus superficiales muestras de éxito. El programa anti-drogas de más difusión en el país se enseña en el 80 por ciento de los distritos y, al estimar algunas cifras, disfruta hasta el momento de $700 millones de dólares en ayuda federal.

Pero el programa establecido en 1983 por el antes jefe de policía de Los Ángeles, Daryl Gates, se encuentra bajo fuego recientemente. En enero un reporte de la Oficina General Contable sobre D.A.R.E. concluyó que el programa no había obtenido “ningún efecto estadístico a largo plazo para prevenir el uso ilícito de las drogas en los jóvenes,” y que los estudiantes que participaban en él no demostraron “diferencias significativas” en sus “actitudes sobre el uso ilícito de las drogas”, al compararlos con los niños que no habían sido expuestos al programa. En 2001, el Cirujano General de los Estados Unidos lo clasificó como un “programa inefectivo.” También se han hecho otros estudios: en 1998, una encuesta de la Universidad de Ilinois a 1,798 estudiantes de primaria encontró que no existían diferencias en relación con el uso prohibido de sustancias entre los que egresaron del D.A.R.E y los que no lo hicieron, seis años después de completar el programa.

D.A.R.E., que coloca a oficiales de policía dentro de las escuelas primarias para prevenir a los niños sobre los peligros de las drogas, apoya la teoría del “escape” o de “la piedra en el camino.” El programa enseña que las drogas suaves –como la mariguana– dirigen al niño hacia la experimentación, así como a la adicción a las drogas fuertes como el crack, la cocaína y la heroína. Ethan Nadelmann, director ejecutivo de un grupo que apoya la reforma de las políticas antinarcóticos, Alianza por las Políticas Antidrogas, propone que desechar al D.A.R.E. para adoptar lo que se alega es una educación más progresiva sobre las drogas, comparable a la forma en la que se enseña sobre el sexo en las escuelas. El reportero de Newsweek, Brian Braiker, habló con Nadelmann, que ostenta varios títulos de Harvard y una maestría en la London School of Economics, sobre cómo opera el D.A.R.E. y porqué piensa que es defectuoso.

Ethan Nadelmann: Básicamente lo que vemos es un programa de millones de dólares, en donde la evidencia ha demostrado que no tiene ningún efecto. Es un testimonio de la voluntad del Congreso para verter miles de millones al resumidero por un programa agradable que de forma agresiva ignoró un estudio tras otro, que indicaba su nulo impacto en el uso de las drogas.

El documento más poderoso es probablemente el reporte de la GAO, que se le dio al Senador Richard Durbin (Demócrata por Illinois) en enero, y que repasa toda la evidencia para concluir, en esencia, que no hay impacto alguno. Puedo citarlo: el popular programa político “no tiene una relevancia estadística a largo plazo para prevenir el uso ilícito de drogas en la juventud.” Hubo un estudio en 1991 por la Universidad de Connecticut a 2,000 estudiantes, que no encontró diferencia en el año anterior en el consumo de tabaco, alcohol y mariguana entre los graduados del sexto año de D.A.R.E. y los no graduados, dos años después.

Yo estaba en quinto o sexto de primaria cuando entré al programa y me asustó. Ciertamente me dejó impresionado.

Mi hija ha estado en el programa también. Yo nací en 1957, así que tengo los programas anti-drogas de los 60’s y también me impresionaron en ese punto. Pero el fondo de todo esto es que aún en la ausencia de estos, no existe razón para no probarlas de todas maneras. Esa es una de las cosas que nos llaman la atención. Si nos preguntamos porqué estos programas sobreviven, podríamos sacar un par de hipótesis. Una es que se siente bien. Le da a la gente la sensación de hacer algo. Por eso introdujeron a los policías al salón de clases. Es como lo que se hacía durante la Segunda Guerra Mundial, al poner a las personas a recolectar pedazos viejos de metal, hasta que se dieron cuenta de que en realidad tenía un impacto de cero en el esfuerzo bélico, pero le dio a la gente cierto sentido de pertenencia a un grupo, o de hacer algo. La tragedia en este caso es que estamos gastando millones de dólares al año.

Básicamente es el dinero de los contribuyentes. De acuerdo con el reporte de la GAO, el total exacto es increíble, pero expertos independientes colocan la cifra dentro del rango de los $650 y $750 millones de dólares anuales. Además, los departamentos de policía gastan una cantidad adicional de $215 millones en el D.A.R.E. para pagar la participación de sus oficiales en el programa. Esta podía ser sólo la punta del témpano. Hay una evaluación en la Universidad Le Moyne, que dirige Edward Shepard, un economista, que estima que el costo económico total del entrenamiento a los oficiales y su participación se encuentra cercano a los $600 millones.

La gente obviamente piensa que D.A.R.E. funciona bien si se dispone de todo ese dinero.

La gente piensa que D.A.R.E. funciona porque la mayoría de los niños que se gradúan dicen estar asustados por el programa y que no utilizarán las drogas de ahí en adelante. Pero el hecho es que si comparas a los niños que han pasado por el D.A.R.E. con los niños que no lo han hecho, no existe diferencia alguna.

Es claro que usted no desea que los niños prueben las drogas. ¿Entonces cuál es la alternativa?

Hay que distinguir entre los niños que reciben educación primaria y los niños que están en la preparatoria; adolescentes, en escencia. Con los niños de primaria, el mensaje de Nancy Reagan “sólo di no,” tiene algo de sentido. Al mismo tiempo uno desea preparar mejor a los jóvenes para vivir en un mundo donde drogas de todas las clases estarán en abundancia, legal o ilegal, farmacéuticas o herbolarias. En principio uno busca prepararlos a través del entendimiento honesto y preciso. Deseamos explicarles que las drogas pueden ser medicinas, que los adultos pueden usar drogas como el alcohol con otros motivos; que existen formas peligrosas y no-peligrosas para usarlas. Deseamos explicarles a una corta edad y apropiadamente. Creo que es lo esencial. También queremos que los manuales del D.A.R.E. sean evaluados por organizaciones científicas con buena reputación.

Desconozco cualquier evidencia de que así sea, porque de tenerla no enfrentaríamos los reclamos sobre la mariguana y otras drogas.

Como la hipótesis de la piedra en el camino. La Academia Nacional de Ciencias dice que no existen bases científicas sobre la teoría de la piedra en el camino, o la del escape.

    ¿Pero no es más importante discrepar en las cosas que dice la autoridad líder en el país? Otra cosa es que podríamos utilizar a los oficiales de policía en los salones para que nos enseñen sobre la seguridad pública. Aunque hay razones para pensar que un policía no sabe nada acerca de las drogas. Si lo pensamos, o jamás las han utilizado, o si lo han hecho no pueden hablar al respecto. Más allá de eso, uno pensaría que tiene sentido tener a una persona con experiencia en el campo de la salud, entonces ¿por qué tenemos de maestro a un agente policial que maneja asuntos de seguridad pública? Creo que es la falla fundamental de D.A.R.E.: el uso inapropiado de oficiales de policía.

    Mencionó anteriormente que el “sólo di no” tiene cierto valor entre los niños de primaria. ¿Qué hay sobre los preparatorianos?

Cuando uno comienza a hablar de adolescentes, entonces hay que lidiar con la realidad que han experimentado la gran mayoría; al menos probaron una droga antes del momento de graduarse. El alcohol es ilegal hasta los 21 años. La mariguana, el extasis; todas ellas son ilegales. También los cigarros son ilegales para los menores de edad. Pero la evidencia desde hace unos años es que el 80% de todos los preparatorianos han dicho haber probado el alcohol antes de egresar de la escuela. Y cerca del 50% consumieron cigarros y cerca del 50% probaron mariguana. Depende de donde uno viva, el 5, 10 o 20 por ciento hicieron cosas como el éxtasis. Lo que es adecuado para los niños de 7 u 8 años no lo es para los de 15, 16 o 17. Pero el mensaje de D.A.R.E. no cambia; por las leyes federales sólo puede enseñar mensajes exclusivos sobre la abstinencia; un mensaje de cero tolerancia.

Cuando uno comienza a hablar con adolescentes uno tiene que substituir el “sólo di n-o” con un “sólo di s-a-b-e-r.” Tomemos los buenos modelos de la educación sexual y apliquémoslos a la educación de las drogas. El modelo básico de la eduación sexual dice “no queremos que los adolescentes tengan relaciones cuando son tan jóvenes. Queremos retrasar la pérdida de su virginidad lo más posible, hasta cierto punto. Pero entonces también queremos contar con una estrategia emergente para que, cuando los jóvenes comiencen a tener sexo al menos lo hagan de forma responsable. Por lo menos lo harán de una manera que no resulte en un embarazo no indeseado, el contagio de una enfermedad sexual, o la explotación emocional.” Bueno, el adolescente americano promedio es más proclive a probar un trago de alcohol o probar mariguana antes de tener sexo. Así que deberíamos considerar que se aplique el mismo modelo. El primer mensaje debería ser: no uses drogas. El segundo: no uses drogas. Pero entonces el tercer mensaje debería ser algo como: “si lo haces, a pesar de que te dijimos que no lo hicieras, y que te lo recomendamos con insistencia, hay ciertas cosas que deberías saber.

No. Con la educación sexual la gente asume que “oh dios mío, si le contamos a los adolescentes sobre los condones, van a tener más sexo.” De hecho, no existe evidencia a mi saber que demuestre que al dar este tipo de información para controlar daños, resulte en un incremento de la actividad. Al final, lo más importante, es que lleguen de regreso a casa esa noche, a salvo, para que crezcan y produzcan nietos sanos. Desafortunadamente, el mensaje predominante en las escuelas –el único mensaje que el gobierno federal apoyará– es únicamente el de la abstinencia.

Obviamente hubo, y continua existiendo, una lucha para proveer la educación sexual en las escuelas. Hasta cierto punto los maestros, los padres y los alumnos dijeron “miren, estamos mejor con la información que nos proporcionan las autoridades respectivas, así como las discusiones abiertas sobre los temas, que sujetarnos a simples e irrelevantes mensajes de abstinencia, tener que apoyarnos con nuestros propios medios, rumores y experiencias personales para aprender sobre el tema.” Pienso que ese es el caso con las drogas y la educación de las drogas. El fondo de esto es minimizar lo más posible las consecuencias dañinas, tanto de las drogas y las consecuencias dañinas de nuestra política anti-droga. Como padre, no deseo que mi hijo se meta en problemas con las drogas, y no quiero que se meta en problemas con la ley; ambas cosas pueden arruinar la vida de una persona.

Pero tener sexo muy joven no meterá a los niños es problemas legales, como con las drogas.

AMSTERDAM, Países Bajos – La última noticia de la meca de los usuarios de la mariguana en verdad puede volar la mente. Bajo una nueva prohibición de fumar en lugares públicos, se permitiría a los cafés holandeses vender carrujos, pero los clientes tendrían que salir a fuera para fumarlos.

Para decepción de los propietarios de los populares establecimientos para fumar mariguana, el amplísimo plan nacional de salud, que entrará en vigor el próximo enero, habrá golpeado sin querer el corazón de la política liberal pro-drogas de Holanda.

La ley, que prohíbe fumar en lugares públicos, está dirigida a los usuarios del tabaco, pero no a los de mariguana, y ha encontrado una feroz resistencia por parte de los restaurantes y los bares.

Los negocios argumentan que la prohibición de fumar tabaco resultaría en la perdida de 50, 000 trabajos y $1.5 mil millones en ingresos anuales. Así que la industria, como los cafés que venden mariguana, han sido compensados con una prórroga de un año, hasta enero de 2005.

A pesar de ello, los opositores dicen que la prohibición llevará a los clientes fumadores hacia los bares y cafés normales –cada uno de tres holandeses fuman tabaco- más allá de la frontera, donde Alemania y Bélgica aún lo permiten.

La primera cafetería de venta de mariguana y hashish abrió en los Países Bajos en 1972, y ahora se cuentan cerca de 800 en todo el país. Los cultivadores y vendedores compiten en concursos anuales en Ámsterdam, donde millones de turistas al año catan las amplias variedades publicitadas en los menús.

Además de vender pequeñas cantidades de lo que los holandeses llaman “drogas suaves,” muchas cafeterías también le ofrecen a los clientes sillones cómodos, jugos de fruta frescos y juegos de mesa. El alcohol está generalmente prohibido.

Las reacciones en las tiendas de café holandesas variaron desde el simple asombro, hasta la preocupación sobre lo que sucederá con la tradición de tres décadas en el Ámsterdam del fumador social de pot.

“Deben estar fuera de sus cabezas,” dijo riendo Annemiek van Royan, una cliente asidua de la cafetería Kashmir Lounge, al oeste de Ámsterdam. Al encender un carrujo de skunk weed, dijo que viene todos los días para pasar el tiempo y platicar con otros visitantes, que pueden recostarse sobre los cojines bordados con colores vivaces y relajarse con una calada.

“Me compré un joint [carrujo, churro] para ahora y un poco más para después que llegue a mi casa. La mejor parte es venir aquí a relajarse. Eso hace que valga la pena mi día,” dice, al preguntarle en son de broma al vendedor si iba a comenzar a vender pastel de hash.

“El pastel es muy fuerte y muy peligroso. La gente nunca sabe qué tanto comer,” dijo Johan de Vries, el cantinero del Kashmir Lounge. Sugirió la construcción de una terraza con calefacción para saltar la nueva ley.

El vocero del Ministerio de Salud, Bas Kuik, dijo que la ley no está dirigida a las tiendas de café, y –como en todas las áreas públicas- pudieron diseñar secciones para fumadores.

La venta de mariguana es oficialmente ilegal, pero su uso ha sido despenalizado. Las autoridades permiten que las tiendas de café operen bajo estrictas regulaciones, como una forma de aplicar controles a comportamientos que, argumentan, sucederían de todas maneras. Los estudios señalan que el uso de dichas drogas no es mayor en los Países Bajos que en los países en donde están prohibidas.

Aún la cabeza del grupo anti-fumadores Clean Air now, Willem van den Oetelaar, admitió que la prohibición de fumar pot en las tiendas de café no ha sido el propósito que persigue la campaña para parar el consumo de cigarrillos en lugares públicos. Pero aún así apoyó la medida. “No es nuestra prioridad, pero es algo bueno,” dijo.

Probablemente sea la estrella más conocida de las estrellas masculinas de cine para adultos de todos los tiempos, y hasta la salida del documental Porn Star: The Legend of Ron Jeremy, es probable que la gente no supiera mucho sobre el tipo apodado El Puercoespín. Con 25 años en la industria, y con cerca de 1,600 películas, Jeremy ciertamente se merece el improvisado título de “el hombre más trabajador en la farándula.”

En días recientes Mart tuvo la oportunidad de ponerse al tanto con Ron Jeremy, y se enteró de otras cosas sobre la industria de las películas para adultos y sobre como llegó a concretarse el documental.

Mart: Déjame liberarme de una cosa directamente. ¿Prefieres el término “película porno” o “película para adultos”?

RJ: Cualquiera de las dos está bien. Cuando asisto a un programa de entrevistas trato de decir “actor de películas para adultos”, pero en realidad no me importa.

Mart: ¿Hay una diferencia entre los dos?

RJ: Uno suena con un poquito de clase: “actor de películas para adultos”, “artista de películas para adultos.” Creo que lo porno está diciendo, si perdonas la expresión, “actor de sexo-películas”, y no es tan excitante. Pero en realidad no me importa.

Mart: Si hablamos en los términos de un filme porno, ¿todo está en la edición, o es lo que vemos en tiempo real mientras sucede?

RJ: Ellos agarran lo mejor de lo que llegan a filmar. Toman durante 45 minutos o una hora y lo reducen a unos sólidos 15 minutos. Si tienen dos cámaras, filmarán durante media hora. La película para adultos promedio dura una hora y veinte minutos, y tiene cinco escenas dentro. Ahí tenemos la hora y quince minutos, y eso nos deja como diez minutos para meter la historia. No puedo entender cuando filman de más. No hay razón para hacerlo.

Mart: Cuando al inicio se acercó Scott J. Gill con la idea de Porn Star: The Legend of Ron Jeremy, ¿te mostraste nervioso?

RJ: ¿Nervioso? Le dije, “¡Claro que no!” ¿Nervioso? Para nada estaba nervioso al decir que no. Me sentí muy cómodo al decir no.

RJ: Me jugaron la vieja treta de la culpa del judío. Había escrito un resumen que estaba circulando en todo Hollywood. Es una historia genial sobre un asesino en serie y un trabajador social. Se lo estaba vendiendo a los grandes estudios con la ayuda del asistente de George Clooney, Ned Cosgrove, que es un alto ejecutivo en la compañía de Clooney, Section Eight. Depositó toda su fe en el proyecto, al igual que yo. El resumen de la película se tituló Regards To Mom and Dad, sobre un asesino que tuvo una mala educación. En realidad no introduje mis muchas experiencias con lo porno, sino que, más que nada, mi experiencia de ser maestro de Educación Especial para niños.

RJ: Estos tipos finalmente la compraron. Para agregarle más a la mezcla, después de pagarme buena plata por ella, querían conseguirse a Joe Stefano, el tipo que co-escribió Psycho, para que la escribiera. Así que estoy emocionado. Pero nunca funcionó bien, y luego llegan para decirme, “Tu sabes, Ron, en verdad nos gustó mucho tu guión.” Oh no, la culpa judía. No habían esqueletos reales en mi clóset, así que no había nada de lo que me pudiera preocupar. No tengo problemas de alcohol o de drogas, no he golpeado a nadie, no tengo ningún antecedente de arresto. Así que me imaginé que la peor cosa que podían decir sobre mi es que soy gordo y peludo. ¿De qué tengo que preocuparme? Así que le di una oportunidad.

Mart: A parte de tu algo inconvencional carrera, te presentas como un tipo bastante normal en el documental. ¿Has visto que la gente te trate diferente después de ver Porn Star?

RJ: Un poco. Lo que he visto es que quieren abrazarme. Es lindo, pero me molesta un poco. A la película le fue muy bien en los cines, y tuvo opiniones geniales. Tomamos el filme alrededor de todo el país, y realicé sesiones de Preguntas y Respuestas al final, y luego fui al backstage para firmar boletos, y quizás vender Polaroids y camisetas. Mucha gente solamente se acerca y me dice, “¿puedo darte un abrazo?”

RJ: Era en verdad lindo. Los abrazaba, pero si se me tocaba una chica, entonces les decía que la ropa era opcional. Sólo bromeo.

Mart: ¿Alguna vez pensaste si Gill intentaba retratarte de una determinada manera?

RJ: No, porque parecía ser un tipo bueno. No parecía que iba a intentar atacarme. Me sentí bastante cómodo. Tampoco hubo presiones. Ellos estuvieron de acuerdo en que el proceso tardaría dos años en completarse, y que me seguirían a muchos eventos importantes. Pensé que no sería tan terrible, así que al diablo.

Mart: ¿Cómo es que la fiesta de la hermandad TKE terminó en el filme? Parecía haberse salido de control... te veías algo asustado.

RJ: Fue chistoso. Sí me veía asustado en esa... estaba esperando algún tipo de culto extraño, como “ponte de rodillas, vamos a darte nalgadas con una regla.” No sabía qué esperar. Eran muchos fanáticos, y es una hermandad muy conocida; es la más grande del país. En ella se encuentran el dueño de Hooters, Elvis Presley y Ronald Reagan como miembros honorarios. Me preguntaba si era lo suficientemente bueno para ellos.

Mart: ¿Existieron situaciones en tu carrera fílmica en donde pensaste, “Chico, no puedo continuar con esto?”

RJ: Cada que haces una película y apestas. Ocasionalmente hay algunas escenas en donde tienes que joder mucho, perdón por la expresión, donde no eres tan buen actor ese día. Puede suceder en cualquier momento. Siempre está ese día en que no haces nada bien. Quizás estás de mal humor, recibiste malas noticias de la familia, o cualquiera de las millones de razones. Nunca he dejado de trabajar en una escena. Nunca he necesitado un reemplazo, o como decimos “un doble de vagina.” Nunca lo he necesitado. Pero, ha habido ciertas ocasiones en que ha sido difícil.

RJ: Es chistoso. Adam Rifkin, que sale en el documental, dirigió Detroit Rock City y The Chase, con Charlie Sheen, y me mete en todas sus películas. Escribió Mouse Hunt para Steven Spielberg, y escribió Small Soldiers para Spielberg. Adam es un jugador profesional. Hizo una broma cuando dije, “no me siento como para trabajar hoy. No estoy en humor de hacerlo.” Adam dice, “cállate Ronnie. Ve y jódete. ¿Escuchas lo que estás diciendo? No dejes que el hombre te deprima.” Esa es una frase muy chistosa: no dejes que el hombre te deprima. Uso esa línea en una de mis rutinas. Hago una broma en donde digo que la peor cosa de la pornografía es que no podemos cancelar por fiestas religiosas o por enfermedad. Imagíname hablar por teléfono diciendo, “¡achú! No puedo trabajar hoy. Tengo catarro, los ojos me lloran, la cara la traigo hinchada y mis cachetes explotaron. ¿Qué? ¿Quieren que vaya y que me chupen el pito? Okey, ahí estaré.” No dejes que el hombre te deprima. También cuento un chiste sobre una mujer que está por trabajar en Navidad, y dice, “hoy no puedo hacer una orgía anal de ocho hombres enanos porque nació Jesús.” Esas son rutinas que utilizo gracias a la frase de Adam, “no dejes que el hombre te deprima.”

Mart: Hay muchas historias sobre actores y actrices que no pudieron llevarse bien, pero que tuvieron que simular estar enamorados en la película. ¿Has hecho alguna película donde hayas tenido sexo con alguien insoportable, o viceversa?

RJ: No. Siempre lo disfruto. Siempre me gusta. Nunca ha sido un problema. Siempre me gustó trabajar en la pornografía. Nunca he trabajado con una chica que no me resultara atractiva o agradable. Pudieron haber dicho, “oh Dios mío, Ron Jeremy. ¿No es un poco gordo?” Estoy fuera de forma. Si una chica quiere un joven, guapo y bien formado semental surfer, entonces no pueden ponerme ahí. Lo que muchos escritores y críticos encuentran muy intereasnte es que en América, las chicas escogen, al cien porciento. No me importa si es nueva en esto, o ha estado durante muchos, muchos años. Ellas escogen. En vez de Europa, Asia y Escandinavia, donde los hombres deciden. Se escoge a la chica, le dicen las posiciones en las que debe de estar. No te encontrarás a una chica en Europa que diga “no lo haré anal.” Eso no existe en Europa. Todas las chicas lo hacen, si se lo piden.

RJ: He filmado muchas películas en Europa, y lógicamente uno puede pensar que es más divertido hacerlo así. No me importa como se hace en América. De hecho me gusta. De esa forma la chica hace la escena con un chico con el que se siente a gusto, o que a lo mejor le gusta. En Europa, puedes trabajar con chicas que no están muy felices al respecto, y que hacen un gran trabajo de actuación. Pero no me importa el hecho de que las chicas escojan aquí, me importaría si nadie me escogiera. Si me carrera terminara de repente, podría pensar que Europa es mejor para mi. Si sigo yendo al buffet, eso es lo que podría pasar. Si veo abajo y no puedo ver mi pene, sabré que es hora de renunciar o de ir a Europa.

Mart: Has brincado hacia lo popular mucho más que la mayoría de las estrellas de cine adulto. ¿Encuentras algo parecido a un doble estándar? Traci Lords siempre tendrá la etiqueta de “ex estrella porno” adherida.

RJ: Oh vamos, desde luego. También tenía que hablar mal de la industria para conseguir el trabajo. Tenía que arremeter en serio en su contra. Al menos Jenna Jameson no ha tenído que recurrir a ese tipo de basura. Le están ofreciendo mucho del buen trabajo, sin tener que insultar a la industria. Hay mucha hipocresía. Mucha. A veces es muy insoportable. Cada vez lo soporto menos, conforme envejezco. No solía molestarme en los viejos tiempos, pero ahora comienza a enojarme. Veo el tipo de películas que Hollywood está haciendo. Tengo una pequeña aparición en un filme de nombre Spun; interpreto al cantinero y tengo un par de líneas. De hecho, en esa película hay una fotografía hardcore de un pene dentro de un ano, y en esa misma película hay una escena en la que Mena Suvari está defecando. De hecho filmaron el pedazo de caca caer en la taza. Por qué lo filmaron, no tengo idea. Lo que me mata es que Paramount hizo una película llamada Jackass: The Movie, a la que le fue muy bien. Hay tres escenas con heces fecales, una con orina, donde un tipo orina dentro de un cono de nuevo y se lo come. Ni siquiera puedo hacer eso en una película porno. Ni siquiera puedo enseñarlo en una película hardcore XXX, porque no recibiría distribución en América. Sin embargo, puede irse al extranjero, pero no puedo enseñarla aquí. Ellos [Paramount] lo hacen en las películas clasificadas con “R”. No me han rechazado, todavía, pero si lo hacen, alguien tendrá que soportar mi puño. Si algún ejecutivo de Paramount dice, “Ron Jeremy tiene un pequeño papel en una película en la que está vestido, y tengo un problema moral por eso,” voy a golpearlo justo en las narices. Nada de diálogo. Nada de reunirse. Va a tener el puño justo en su cara, en su oficina. Si quiere llamar a la policía y voy a la cárcel, cada segundo que pase dentro valdrá la pena. Uno llega al punto donde ve a estos tipos editar películas como estas y que no tienen problemas conmigo. No puedo enseñar excremento ni orines en mis películas. La sacaron al mercado, están orgullos de ella, e hicieron mucho dinero para ellos.

RJ: Es uno muy patético. A veces llega el momento en que te cansas de hacerlo.

Mart: Fuiste un consultor para película de Paul Thomas Anderson, Boggie Nights. Obviamente te seleccionaron por tus antecedentes. ¿Qué tanto se adentró en tu cerebro para ser fidedigno?

RJ: Mucho. Asistió a muchos de los sets de filmación. Me ha visto actuar, y me ha visto dirigir. Lo lleve a los sets de alto presupuesto, a los de bajo presupuesto, e hicimos visitas a las localaciones juntos. Lo lleve a una ceremonia de premiación, tanto como en Las Vegas como en Francia. Mi trabajo con él tomó lugar durante la etapa de redacción del guión.

RJ: Hizo un buen trabajo como director, e hizo un bueno y preciso enfoque de la escena de Los Ángeles. De ninguna manera pinta un cuadro del negocio en general. Solamente retrata una imagen muy precisa de la gente de Los Ángeles.

Mart: En el documental hablas sobre una “época de oro” de la industria fílmica para adultos. Esto era en los tiempos anteriores al Viagra, al VIH, donde habían tramas mucho más elaboradas.

RJ: Estas eran películas genuinas, no había video. Fuimos a todo el mundo a hacerlas. No teníamos Viagra, ni VIH, ni herpes. Hablamos de los “viejos días”, a finales de 1970 y 1980. Luego llegaron todas estas enfermedades, y el mercado se cambia directamente al video. Yo trabajo con Metro, y todavía hacen muchas películas con clase, pero la mayoría de la gente del negocio dice, “hola dulzura, toma esta taza de café. Chúpamela.” Ese es el diálogo. Me gustaba cuando me sentía más que un actor.

Mart: Si volteas a ver algunos filmes viejos, habían largas escenas de diálogo.

    RJ: Eran verdaderos guiones entonces. Me gustaba eso, como actor. Claro, tenía sexo con chicas lindas, también, pero era algo bueno.

    Mart: ¿Cuál es tu opinión de las celebridades que se expresan sobre temas controversiales?

    RJ: En realidad no me importa. Pero no pienso que deban ser tomados tan en serio. Creo que Martín Sheen ha estudiado muchos eventos políticos, ha estudiado el periódico y tiene un punto de vista educado. No me importa tanto. ¿Quién son para decir que saben más o menos que lo que saben los políticos? Puedo ver la misma prisa, como cuando llegas a cierta edad o cuando haces cierta cantidad de dinero, cuando tienes este sentimiento de querer ayudar a la humanidad. Te da esa pequeña corazonada. No tienes que escuchar todo lo que digan, si lo hacen con desparpajo o sin estar bien informados. Pero si hacen un comentario educado y demuestran que lo han estudiado, no me importa. Yo mismo me entrometo en algunos temas. Tengo una maestría en Educación Especial, así que a veces puedo hablar desde un punto de vista de autoridad, a menos de que no conozca el tema.

Mart: Las figuras de acción se han vuelto bastante populares. Hay figuras de acción de Jenna Jameson, figuras de Houston. ¿Hay figuras de acción de Ron Jeremy en el horizonte?

RJ: Si, pero no fui con la misma compañía que ellos. Me gusta ir con aquellas que son más originales... me gusta irme por los grupos populares. Tengo por salir un video juego, con Anna Nicole Smith, Tommy Lee, Busta Rhymes y Carmen Electra, que se llama Celebrity Death Match, este verano. Mi modelo, la figura de acción de Ron Jeremy, terminó en un contrato hace un año, mucho antes que sus figuras. Es la misma compañía que tiene la de Snoop Dogg, Coxman Toys, y son una división de Vital Toys. También tengo papel para forjar de Ron Jeremy, tarjetas de felicitaciones, camisetas y hasta una pipa que acaba de salir al mercado.

Mart: Eres una máquina de mercancías.

RJ: Bueno, son cosas que están ahí. Si alguien quiere darte un cheque sin necesidad de salir de la cama, ¿por qué no?

El gobierno de los Estados Unidos tiene un nuevo sitio Web http://www.ready.gov. Es otro intento de tratar el miedo al estilo del viejo "agachate y cúbrete" después de la Segunda Guerra Mundial.

¡Lo chistoso es que es que estas imagenes son tan ambiguas que pueden significar cualquier cosa! Aquí hay algunas interpretaciones:

Si detecta terrorismo, suene su silbato anti-terrorista.
Si usted es Vin Diesel, grite muy fuerte.

Si es rociado con una sustancia desconocida, párese y piense en ello en ves de ver a su doctor.

La manera apropiada para eliminar la viruela es lavar con jabón, agua y al menos una mano sin brazo.

Michael Jackson es un terrorista. Si detecta a este suave criminal con ojos muy, muy muertos, comienza a correr al diablo.

Los huracanes, los cadáveres de animales y el símbolo de contaminación biológica tienen mucho en común. Piénselo.

Esté al pendiente de los terroristas con ojos rojos y lepra. También tienen la tendencia a sobarse las manos maniáticamente.

Si su edificio colapsa, dése a usted mismo sexo oral mientras espera a ser rescatado.

Traté de absorber tanta radiación como sea posible con la región de la ingle. Después de 5 minutos y 12 segundos, no obstante, podría quedar estéril.

Después de estar expuesto a la radiación es importante tener en cuenta que usted se ha convertido en un mutante de dimensiones gigantescas: cuidado con la cabeza.

Si se ha convertido en un mutante por la radiación con una mano deforme, recuerde cerrar la ventana. Nadie desea ver esa mierda.

Si usted escucha a los Backstreet Boys, Michael Bolton o Yanni en la radio, arrincónese en la esquina o corra como el infierno.

Si pierde un lente de contacto durante un ataque químico, no deje de buscarlo.

Una madera de una pulgada de espesor debería ser suficiente para protegerlo de la radiación

Siempre recuerde llevar comida con usted durante un ataque terrorista. Al menos podrá disfrutar una buena Coca y una manzana antes de morir.

En 1999, Morpheus (Laurence Fishburne) se expresó de forma memorable, “desafortunadamente, no se le puede decir a nadie lo que es Matrix.”

En 2003 nadie necesita saberlo, porque todos saben bien lo que la Matrix. La idea de la Matriz ha entrado al léxico popular. Las revistas, con expresiones de seriedad, crean encuestas para saber si los lectores piensan que realmente viven dentro de Matrix. Y la gente dice si, aparentemente sin darse cuenta que sólo es una película.

Ese es el poder del filme de 1999. Matrix es una de esas películas que inspiran asombro y definen un género. Ha sido tan copiada que su maestría es ya poco reconocible. Supongo que por eso tenemos DVD.

La primer Matrix ofrecía elementos del cine negro, misterio, ciencia ficción, y hasta comedia (“Sé kung-fú.”). Y desde luego, es una película de acción. El género arrasó la tierra con los pies y puños voladores, manipulados por cables y cámara lenta, de Keanu Reeves, Fishburne, Carrie-Anne Moss y Hugo Weaving.

Después de cuatro años finalmente están de regreso en lo que es fácil el filme más anticipado del año (si no incluimos la conclusión de la trilogía, que llegará apresurada a los cines este invierno).

Así que regresamos donde partimos. Neo (Reeves) ha aceptado sus superpoderes como El Elegido. Dentro de Matriz puede volar a velocidades supersónicas, derrotar a cualquier oponente con una mano, y vestir lo que sólo puedo describir como un horrible vestido negro. Él y Trinity (Moss) están enamorados, y cuando pueden hacen escapes amorosos. Morpheus está convencido de que La Profecía está a punto de cumplirse, y más vale que así sea: Esos centinelas malévolos se acercan a Zion, donde las “mentes libres” residen, y existe la amenaza de la destrucción total en un solo día.

La nave Nabuconodosor se dirige a Zion para una recarga, y luego regresa a Matrix para una consulta con El Oráculo, encontrar al Fabricante de Llaves, y destruir El Núcleo de Matrix. O algo así. Para ser honesto, el intento por crear una historia épica en The Matrix Reloaded parece forzado y elemental. Es en general una excusa para mantener la trama girando mientras los heroes persiguen una fuente de información después de otra (todo lo que resulta ser pequeños trozos de información aleatoria con un vago sentido de la dirección). Esto alcanza un punto enloquecedor cuando Neo es confrontado con una desición final, que se hace evidente durante una risiblemente tortuosa conversación seudo-religiosa con un tipo llamado El Arquitecto, cerca de las dos horas treinta de duración. Piensen en ella como The Matrix Retarded.

Por más vacío que sea el tamaño de la trama, no cometamos errores: Esta película es sobre patear culos. Y por supuesto, Reloaded patea culos de maneras que no esperaba fueran posibles; más notable durante dos grandes escenas que redefinen lo último en efectos especiales. Primero es una sencuencia de pelea en donde Neo se enfrenta a cien Agentes Smith (Weaving), que puede duplicarse a voluntad al poseer a otras personas. Segundo, y aún más impresionante, es la extensa persecusión en auto/camión/motocicleta y la secuencia de pelea (dentro, sobre y alrededor de los autos) que hace ver a The French Connection, Bullitt y The Blues Brothers juntas como una carrera de carros chocones.

Quitemos el resto del filme y pasemos media hora con estas dos escenas y nos queda una obra maestra; nada comparable a la original, que contó una historia magnífica, aprovechándose de la abundancia de efectos especiales. (También deberíamos desviarnos para obervar a Persephone, interpretada por Monica Bellucci. La mujer no puede hablar ni una palabra de inglés, pero es la cosa más caliente que se ha aparecido en la pantalla de un largometraje, así que no me quejaré.)

El resto de la película son aciertos y errores. De hecho, la primera media hora de Reloaded es tan débil que podemos saltarla sin problemas. Los puntos malos incluyen una ceremonia en una iglesia de Zion (las metáforas bíblicas se ponen densas aquí) que termina por ser un rave sudoroso (¿son estas personas dignas de salvarse?). El diálogo es bastante trillado (Morpheus en su balcón, entonando, “Buenas noches, Zion.”) y lleno con filosofía de dormitorio de colegio. Y los nuevos personajes secundarios son unilateralmente prescindibles. Hay un puño de tontos líderes que gobiernan a Zion (como si estuviéramos en alguna reunión del consejo de Star Wars). Tenemos gemelos albinos con cabello rasta y cráneos rasurados que parecen menos villanos y más Muppets con Síndrome de Down. Y también nos dan a la pequeña Jada Pinkett Smith, a la que se le involucra en un tibio triángulo amoroso, y que termina con lo peor de todo: Su peinado puntiagudo de Lisa Simpson es tan sofisticado como un mullet. Hay una fina línea entre lo “cool” y lo totalmente idiota. Meter a Neo dentro de un vestido cae dentro de esta última categoría, así como el final abrupto, que puede equipararse al final de temporada del típico programa de la Warner Brothers TV.

Dejémos todo de lado. Realoaded patea culos y todavía es chistosa (la representación de los orgasmos ocasionados por Matriz hace valer el precio del boleto). Y los niños que se metan a verla (clasificada “C”) apreciarán el soundtrack de Linkin Park y Marilyn Manson.

La premisa es interesante: en una cabina telefónica situada en una calle de intenso tráfico en Nueva York, una persona contesta una llamada y escucha la voz de un francotirador informándole que lo tiene en la mira de su rifle, y que disparará si cuelga, huye o pide ayuda. El motivo, por otro lado, es un tanto cuestionable: el hombre armado acusa a su víctima de ser hipócrita, infiel y carecer de ética profesional, y le exige arrepentimiento, confesión y sacrificio. Parece la adaptación moderna de un pasaje bíblico, pero se trata de una moraleja hollywoodense sobre “las consecuencias de nuestros malos actos en una sociedad que los tolera con cinismo”. Joel Schumacher (Bad Company) dirige a un atractivo elenco encabezado por Colin Farrell (The Recruit), interpretando al “pecador expuesto”, con las cuerdas vocales de Kiefer Sutherland (24) en el gatillo, Forest Whitaker (Panic Room) tratando de resolver el conflicto sin cadáveres innecesarios, y Katie Holmes (Abandon) y Radha Mitchell (Neverland) en roles de posible amante y esposa angustiada, respectivamente. La presentación de la historia es efectiva, a pesar de su falta de originalidad, considerando que toda la acción ocurre en cien metros de calle y banquetas. Un vertiginoso ritmo narrativo provoca la atmósfera claustrofóbica necesaria para subrayar la gravedad de la situación, y no detenerse en las circunstancias que la provocaron. El truco funciona a medias: Phone Booth es entretenida y superior al thriller promedio, pero en el subgénero de “un tipo ordinario en una situación extrema”, está años luz de clásicos como After Hours de Oliver Stone.

En lo personal, siempre me han parecido más aterradoras las fuerzas violentas y sádicas de la vida real, que las venidas de otros planetas, dimensiones o estados de conciencia. Dentro o fuera de las películas un monstruo es un animal, un demonio es un ángel caído, un fantasma es el eco vaporoso de una persona fallecida, un zombie es un cadaver en auto-pilot, y un vampiro es una sanguijuela humana que vive demasiado tiempo para su propio bien. Experimentamos miedo ante semejantes connotaciones de misterio y peligro porque representan la promesa de un sufrimiento nuevo, de profundidades inciertas. Sin embargo, cuando los dientes que nos muerden pertenecen a un homo sapiens, el terror producido por el cerebro es mucho más intenso y urgente que la locura inducida al enfrentar un hombre-lobo con cola puntiaguda; las pesadillas con eco anecdótico cargan un desagradable olor de posibilidad.

El cine de horror de los setenta se entusiasmó experimentando con la fórmula moralista “Un grupo de jóvenes tropieza con uno o varios psicópatas”, en arriesgadas propuestas estéticas de violencia gráfica explícita, y enorme creatividad para establecer el sadismo de los anti-héroes. Clásicos sangrientos como Last House on the Left de Wes Craven y The Texas Chainsaw Massacre de Tope Hooper establecieron un estilo narrativo que sería imitado hasta el cansancio en la siguiente década (comenzando con la lucrativa trinidad de Friday 13^th, Halloween y A Nightmare on Elm Street), donde la mutilación de adolescentes bellos y saludables no sólo es un espectáculo divertido, sino también una manifestación apolítica de la decadencia social moderna.

En los últimos años, la calidad de los filmes de terror ha variado tanto que el género se encuentra en una situación peculiar, donde puede gozar de un renacimiento explosivo, o hundirse como lo hizo a principios de los noventa (antes de que Scream lo reanimara y sus inevitables clones lo infectaran). El cantautor Rob Zombie, ex líder del grupo White Zombie, planeaba hacer su debut como director cinematográfico con una secuela futurista de The Crow, pero el proyecto se vino abajo y entonces se concentró en su verdadera ópera prima: un homenaje a las cintas proyectadas durante funciones nocturnas en los autocinemas, House of a 1000 Corpses.

Después de ser expulsada de dos estudios (Universal y MGM), la película encontró santuario en Lions Gate, aunque los censores obligaron a Zombie a editarla para ser clasificada R y evitar el NC-17. El resultado es una bizarra joya de surrealismo MTVzado, que celebra el “gore” como un parque de diversiones donde la morbosidad es el boleto de entrada. Zombie no moderniza las fórmulas clásicas (las víctimas son odiosas, los villanos carismáticos), utiliza los clichés con desenfado (policías tontos, el padre de una de las muchachas involucrado, una tormenta que no permite escapar, etc.), incluso sitúa la acción en 1970. Lo que hace especial a House of a 1000 Corpses es su vitalidad, su ambición, su amor al cine rojo.

Bill Moseley, Dennis Fimple, Karen Black, Sid Haig y Sheri Moon transmiten la pintoresca demencia de una familia de canívales bastante bien, en especial Haig como Captain Spaulding, el payaso que todos tememos descubrir oculto en el ropero.

Washington y Nueva York, 20 de mayo. Dicen que la primera baja de cualquier guerra es la verdad. Pero en este caso la verdad no fue propiamente herida, sino más bien fabricada. La gran noticia del heroísmo estadunidense de la guerra contra Irak resultó ser un invento del Pentágono.

En una investigación, la BBC londinense concluyó que la versión oficial de la historia que dio la vuelta al mundo sobre la captura, resistencia y rescate de la soldado Jessica Lynch fue una manipulación de los hechos. ''Su historia es una de las piezas más asombrosas del manejo de la noticia jamás concebidas'', concluyó la cadena televisiva.

Como se recordará, en abril todos los medios masivos de comunicación estadunidenses Washington Post, New York Times, CNN y demás difundieron con lujo de detalle la historia de la sol dado Lynch. Fue una de 10 militares estadunidenses capturados por las fuerzas iraquíes en los primeros días de la invasión terrestre. Algunos medios informaron que Lynch había resistido hasta el final, que disparó hasta la última bala antes de ser capturada e inclusive recibió puñaladas; después fue trasladada a un hospital en territorio enemigo.

Ahí, según una versión, fue golpeada por un oficial iraquí. Días después una unidad de fuerzas especiales de Estados Unidos montó un rescate espectacular. Con disparos y detonación de explosivos las tropas ingresaron al hospital, rescataron a Lynch y la llevaron a un helicóptero.

Esa noche el presidente George W. Bush anunció a la nación desde la Casa Blanca que se había realizado el rescate y el Pentágono difundió a los medios un video de la hazaña, que competía con las mejores escenas de Hollywood.

Según la investigación de la BBC, con base en entrevistas a los médicos que atendieron a Lynch en Irak durante su captura, y confirmadas por los doctores estadunidenses que la auscultaron después de su rescate, las heridas de la soldado no fueron resultado de ningún combate, sino causadas por la volcadura del camión militar en el que viajaba.

No recibió maltrato alguno: todo lo contrario, los médicos iraquíes le dieron buena atención médica. El único testigo de que había sido golpeada por un oficial durante su detención es un abogado iraquí a quien Estados Unidos ofreció asilo, y que ahora trabaja de cabildero en la firma de un ex representante federal estadunidense y se niega a dar entrevistas.

La propia Lynch, quien proviene del pueblo pobre de Palestine, West Virginia, y que ingresó a las fuerzas armadas para después lograr estudiar y llegar a ser maestra de kínder, dice no recordar nada de su aventura.

Los médicos iraquíes se comunicaron con las fuerzas estadunidenses para intentar regresarles a Lynch. Dos días antes de su espectacular rescate, una ambulancia condujo a Lynch hacia las líneas estadunidenses para tratar de entregar a la paciente, pero debió dar la media vuelta y huir porque las fuerzas ocupantes les dispararon y por poco matan a su propia heroína.

Cuando se puso en escena el gran rescate, los médicos iraquíes se sorprendieron, porque ya habían informado a las tropas estadunidenses que las fuerzas de Saddam Hussein habían abandonado el lugar; dos días antes de que habían intentado entregar a su paciente a los estadunidenses.

Sin embargo, ocho días después de su captura, los medios estadunidenses difundieron con gran drama la historia oficial de cómo las fuerzas especiales habían rescatado a Lynch, en lo que se convirtió en el pasaje heroico del conflicto.

El doctor Anmar Uday describió la escena a la BBC: "Nos sorprendió. No había militares, no había soldados en el hospital. Fue como una película de Hollywood". Las fuerzas especiales estadunidenses, agregó, gritaron "vamos, vamos, vamos, con armas y balas de salva, y había sonido de explosiones. Montaron un show sobre el ataque contra el hospital", dijo. Fue, declaró Uday, como una película de acción, como las de "Sylvester Stallone o Jackie Chan".

Como escribió el comentarista Robert Scheer de Los Angeles Times, las imágenes del asalto nocturno del hospital fueron filmadas por soldados estadunidenses y enviadas para ser editadas por el comando militar estadunidense en Qatar, donde fueron difundidas ya seleccionadas por el Pentágono a los medios del mundo.

"La historia del rescate de Lynch un pedazo de propaganda oficial hecho para la televisión probablemente sobrevivirá como el momento más heroico de la guerra, a pesar de que se ha comprobado que fue tan ficticio como las razones declaradas para la propia invasión", escribió Scheer.

Para algunos medios que celebraron la versión oficial, las revelaciones de la BBC resultaron irritantes. Hoy, un reportero de la BBC fue entrevistado agresivamente por CNN sobre el capítulo Lynch.

"No tienen ninguna confirmación de esto. ¿Cómo pueden decir que no fue maltratada? Era una prisionera", afirmó el locutor de CNN. El reportero de la BBC respondió que no estaban afirmando que tuvieran toda la verdad sobre los hechos, pero que el Pentágono sí había manipulado lo ocurrido para convertirlo en un acto de propaganda.

Los productores del show, es decir, el Pentágono, respondió hoy al reportaje de la BBC declarando que estaba "vacío de todos los hechos y es absolutamente ridículo". En entrevista con CNN, Bryan Whitman, un vocero del Pentágono, rechazó que el gobierno hubiera exagerado el rescate o que se hubiera intentado ocultar la historia real.

Pero cuando la BBC solicitó copias del video completo de esta hazaña filmada por el Pentágono, los militares rehusaron entregarla.

Los militares de Estados Unidos están usando a Metallica y el tema central de Barney como instrumentos de coerción en Irak.

Tus padres no son los únicos que odian tu música; también algunos iraquíes. Las unidades militares de E.U.A. han vencido a los seguidores de Saddam con largas sesiones en las que los fuerzan a escuchar canciones infantiles y de heavy metal. “Créanme, funciona,” dice uno de los operadores norteamericanos.

La idea, dice el Sargento Mark Hadsell, es derrotar la resistencia del individuo al hacer insoportable lo que muchos de los iraquíes consideran como música culturalmente ofensiva. Las canciones que están siendo tocadas incluyen Bodies, de la banda de sonido de la película de Vin Diesel, XXX y Enter Sadman, de Metallica. “Estas personas nunca han escuchado heavy metal en su vida,” explica. “No lo soportan.” Pocas personas pueden aguantar los martillantes riffs de Metallica, y las canciones para niños tampoco son fáciles, especialmente cuando la selección incluye el tema de Plaza Sésamo y algunas tonadas del dinosaurio púrpura Barney.

Agradecimientos & Info

Este documento proporciona información complementaria, así como una muy detallada descripción de las razones para leerlo. También puede visitar el sitio Web de A Dag On Drags Productions en la dirección http://komodo.cjb.net para obtener la información más reciente, aunque no actualicemos el sitio con gran disciplina.

Muchas gracias a Fernando Calvo por hospedar las imagenes en su servidor. Pueden visitar su página en www.malasinfluencias.com. Nuestros agradecimientos a Matt de www.x-entertainment.com y a Joe Rogan de www.joerogan.net por permitirnos utilizar su material. Lo mismo para Claudia Alexandri, por revisar los textos ojo crítico. Así como a los cuernavaqueños (?) SocSub, por subir los números a su sitio http://socsub.tripod.com y a Gaby de la O., líder del portal www.llevamecontulider.com.

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